edenspiekermann_ Blog

A self described “hairy English web guy” and creator of 8 Faces magazine spoke at Typo Berlin on Saturday about the bleeding edge of experimentation in web typography.

Stocks began his explorations for selfish reasons – a yearning for the freedom and supreme control available in print. But soon realizing the lack of control can be a good thing and something to be embraced, while keeping our eyes open to things unconsidered before – especially now as so many things are rapidly changing.

Today there are many new approaches, techniques and technologies available to achieve more control with web typography, some work well, some sort of and others not at all. To start the discussion Stocks cites two jQuery plugins developed by Dave Rupert: Lettering.js, which gives you much greater control of your type by facilitating adjustment of individual letters or work , making fun things like kerning possible. Fittext.js treats type heading like images so they scale to the width of the container, which is a handy accessory for fluid or responsive layouts.

With these as a starting point Stocks introduces and explains how to implement four types of detail web typography, making the most of OpenType features within the browser:

ligatures
Ligatures add a nice touch to any site, as well as making text much easier to read (especially when typesetting large headlines). If the font you are using contains ligatures they are surprising easy to activate with CSS and widely supported by the browsers. Perhaps the biggest advantage is if they are not supported experiences degrade gracefully. See it in action and get the code.

Small caps and old style numerals
The time is fast approaching where we can move past faking this online (because really it never looks quite right)! Currently this is not supported in all web font files, but some foundries are starting to supply separate font files than be called as necessary in your CSS. See this in action and get the code.

Swashes
Whilst the idea and initial explorations in to Swashes is very exciting, browser support is extremely poor (currently only Firefox), and very few web fonts come with swashes. For now it is possible to use the same approach as above – activating a special font file with the required swash characters. See this in action and get the code . Adding strokes to text is certainly an interesting idea too.

Stylistic Alternates
Currently stylistic alternates have a specification but the browser support is very low, so it may be a while before it is widely used. In the meantime, you can also you an separate font file to serve up the Alternatives in typefaces like Bree. Once again you can see this in action and get the code from one Stocks blog.

Before rushing out and incorporating all of this awesomeness into your next project Stocks suggests four principles to evaluate if you are making the right choice:

Consider the typeface
Does it contain the things you need?

Consider the font file
Is it OpenType? Are the extra glyphs present?

Consider the browser
What features does it support? This something that can have massive variations.

Consider the user
What happens when things are missing, is it horrible and breaks the or is ok? Is it still a good enough experience? Will it break your site or design? 

Overall a really interesting and enjoyable talk – we are looking forward to incorporating some of these techniques into our own projects.

For more on Stocks talk and typographic explorations you can read Harry's post on the official TYPO blog or follow Elliot on twitter.

Daniel van der Velden, Mitbegründer des Amsterdamer Studios „Metahaven“, betitelt seinen Vortrag auf der TYPO mit „Meme, Witze und Narren – Politisches Design in bewegten Zeiten“ und zeigt und erklärt uns hier Auszüge aus dem neuen Metahaven-Buch „Black Transparency“.

Schnörkellos und ohne dramatische Begrüßungsfloskeln beginnt Daniel van der Velden. Sein Vortragsstil ähnelt dem Erzählen einer Novelle. Ganz „understatement“-mäßig liest er lange Textpassagen von sehr undesignten PowerPoint-Folien ab. Der „economic status of graphic design“ hat sich nach van der Veldens Ansicht in den letzten Jahren sehr verändert, und er fragt hier: „Where is that going?“. Witze werden gerade in Zeiten von sozialer, medialer Verbundenheit wichtig und beeinflussen andere, so van der Velden – Designer können Komödianten sein, denn der Designer-Beruf stehe unter einem hohen Druck: „The profession under permant .jpg compression.“ Hier hört man trotz des komplexen Themas und der konzentrationsbedürftigen Vortragsweise die ersten Lacher. 

Doch van der Velden kritisiert die junge Designer-Generation. Anstatt sich zu engagieren und sich kritisch mit den Veränderungen der Design-Profession und der politischen Landschaft auseinanderzusetzen, „ they put their efforts and values to Abu Dabi, Russia and Brazil. They brew lattés and dress as hipsters. (…) We are posting pictures of us and our food on tumblr and do drawings on our latté and hope that people follow.” Talente und Bemühungen werden laut van der Velden für reine Geldmacherei und Selbstdarstellung verschwendet. Trotz der Kritik an der auch im Publikum zahlreich vertretenden Designer-Riege schmunzeln viele bei den gezeigten Bildern von künstlerisch verzierten Kaffeegetränken.

Van der Velden macht deutlich, dass ihm diese Entwicklung der Gesellschaft nicht zusagt und appelliert an das Publikum, sich an der „Cyber-Revolte“ zu beteiligen und „to refuse to make and drink lattés.“ Er betont, dass auch schon vor dem Arabischen Frühling das politische Interesse der Bevölkerung stark über das Netz ausgedrückt wurde. „Code is the new printing press“ findet Velden und mag damit auf die vor allem in den USA geführten Wahlkämpfe eingehen, die vorwiegend online und über soziale Netzwerke geführt werden. Denn solange die Autoritäten das Netz für ihre Zwecke nutzen, wird es nicht kritisiert.

Kommt jedoch der Aktivismus aus der breiten Masse, wird er zur Bedrohung: „Activism is a terrorist threat“ sagt van der Velden und zeigt das Beispiel der Occupy-Bewegung in London. Das Camp dort wurde geräumt. Die Menschen, die sich für die Bewegung aussprachen, stehen unter Beobachtung. Van der Velden findet aber, oder trotzdem, dass wir mehr Witze, udn zwar politische Witze, über die Netzwerke machen sollten. Warum? „Jokes are low budget, we all have excess to them. Jokes are an open source and a weapon of the public. But we unlearned how to make jokes about the people who rules us.” Die Kultur des Hofnarren (der kritisieren darf) ist verloren gegangen. In früheren Zeiten stellten sich die Könige und Fürsten extra Hofnarren an, die als einzige ehrlich und vor allem ungestraft Witze über die politische Führung machen durften – und damit Volk und Führung amüsierten.

In unserer heutigen Zeit sei jetzt der einzige Protest, so van der Velden weiter, Bilder von lustigen, niedlichen Katzen (sogenannte LOL cats) mit der „Impact“ zu beschriften und diese Bildchen zu teilen. Die Impact feiert hierbei ihren Erfolg als Schrift: „(…) not beautiful but standart is the Impact a core font oft the web and a free Microsoft font. We all know this is rational understatement but we like and share it.“ 

Abschließend erklärt Daniel van der Velden das politische Grafikdesign für tot. Seine Ausführungen regen zum Nachdenken an, der Vortrag erforderte von den Zuhörern allerdings auch eine Menge Konzentration (vor allem wegen der vielen Zitate), war anspruchsvoll und amüsant.

We proudly present our first Japanese blog post! An English version is also available.

彼女はまず，なぜヨーロッパへ来ることを決意したのか，そのきっかけを語ることから始めた。それは，彼女が学生時代に見たJan Tschicholdの「Meisterbuch der Schrift」だった。その本から受けたヨーロッパのシンプルで美しいタイポグラフィーの魅力に取り憑かれ，彼女はヨーロッパへ渡ることを決意し現在にいたる。
武蔵野芸術大学でヴィジュアルコミュニケーションを学んだ後，University of Readingでブックデザイン課程を卒業。その後デザイナーとして，また，現在はタイポグラファーとしてもTim AhrensとともにJust another Foundryを運営し，世界各国での講演をこなす。

今回の講演では，まずはひらがな，カタカナ，漢字（中国の文字），ラテンアルファベットを使用する日本の文字システムの説明に始まり，日本へ輸入された漢字の過程，漢字の一部から形作られたカタカナ，漢字の草書化，簡易化されたひらがなの起源を紹介，さらには文章の中での漢字の主な使用箇所（名詞，動詞部）や，ひらがな（文法上の補助），カタカナ（外国語，外国の地名等）の使用箇所に始まり，それらの文章中での使用される割合（ひらがな約60％，漢字約20～30％，カタカナ約10％，残りは記号類）にまで話は及ぶ。
また，日本語の文章にはヨーロッパのように単語と単語の間に空間がないことや，以前には，表音文字であるカタカナと単語間のアキを用いて日本語を表記しようと試みた例なども紹介された。
日本語という言葉も文字も，はては文化すらも知ることのない観客のヨーロッパ人（ドイツで開催されているTYPOBerlinではあるが，観客の中には多くのドイツ人以外の観客も混ざっている）にとっては，少々難しいテーマではあろうが，彼女はテンポ良く，軽快に話を進め，さらに本題へと続く。

今回の講演での主題は，日本語の縦書きと横書き表記の説明にある。なぜ日本では縦書きと横書きがあるのかを歴史的資料と共に、どのような場合縦書きになり，どのような場合横書きになるのか。また縦書きと横書きが混在する例なども、豊富な資料とともに紹介された。
1.　縦書きは主に，伝統的なもの，古きよきものが求められるとき，（小説、教科書、書道、寿司屋のメニュー等）また，文字を配置するスペースが限られている場合（日本酒のラベルや本の背表紙等狭いスペースに文字を配置する場合）その書き方向が縦のほうが都合が良いときに使用される。
2.　横書きは，主に辞書などでラテンアルファベットが多く混ざる場合，数学書，パブリックサイン，Webサイトなどに使用される。
3.　縦・横混在は，インフォメーションデザイン，新聞，雑誌，看板などに使用される。

さらに話は他の漢字圏であるアジアの現状などにも及ぶ。
台湾や香港では日本と同じように縦・横書き可能。
中国，北朝鮮では，今日ではほぼ横書きのみに統一されている。
韓国では，90年代後半まで縦書きの新聞もあったが，今日ではほぼ横書きのみに統一されている。

また，最後には16世紀から19世紀あたりまでの，日本人がラテンアルファベットと日本語を併記するために，試行錯誤して行われた（日本語を数文字の縦書き・アルファベットを横書き，日本語縦書きを反時計回り90度回転・アルファベット横書き，日本語縦書き・アルファベットを反時計回り90度回転等）ヨーロッパ人にとっては若干冗談とも思えるような例を提示して会場の笑いを誘っていた。

日本人にとっては普段まったく気にする事のない縦書きと横書きであるが，ヨーロッパの人々にとっては両方使用してよいということが不思議なようである。しかしながら，ヨーロッパで街を歩けば実際には縦書きの看板を見る事があるのだが，これはかつて日本人が一行につき一文字だけの縦書きが横書きに見えたように，一行につき一文字だけの横書きが縦書きの看板にあたるのだろう。
もしかしたら，ヨーロッパでも100年後には縦書きも今より多く見つけられるかもしれない。今は冗談に聞こえるかもしれないけれど。

最後に，講演後に快くこのBlogへの掲載を許可し，フレンドリーに接してくださった麥倉さんにありがとう！（彼女は会場で日本語で「ありがとう」と言ってこの講演を終了した。）

Just another Foundry

Espi on site: Shoko Mugikura – Vertical? Horizontal?

Mugikura started her talk with an introduction of why she came to Europe. When she was a student in Japan she read Jan Tschichold’s “Meisterbuch der Schrift”. As she read the book she was enslaved by the beauty and simplicity of european typography and decided to come to Europe – now she lives and works in Berlin.

She studied Visual Communication Design in her native country Japan at Musashino Art University, then gaining an MA in Book Design from the University of Reading (UK). She has been working as a typo/graphic designer since 2005 and she joined Just Another Foundry in 2010, working together with Tim Ahrens. She has spoken about multi-script typography in many countries.

Mugikura introduced the japanese script system, which is composed of hiragana (a cursive script of chinese characters), katakana (some parts of chinese characters), kanji (chinese characters) and the latin alphabet. She explained how each script is used in text: kanji is used in a text for part of nouns and verbs, hiragana is used for grammatical supplements, katakana is used for foreign words and names of foreign places. How often each was used in a text was also explained: about 60 percent of text is composed of hiragana, 20–30 percent of text is composed of kanji and 10 percent of text is composed of katakana, the remainder is filled out by punctuation and symbols.

She explained the reasoning for no word spacing of japanese text is the mixing of different scripts clearly shows the reader the words end. In the past changing the script system to something using only katakana (phonetical characters) and word spacing was attempted but this writing system was not widely adopted. Such subjects are perhaps a little difficult for European people to understand, because they don’t know about Japanese language, scripts and culture, but Mugikura showed many examples and talked with a quick tempo making it fun and interesting.

The main topic of the talk was vertical writing and horizontal writing. she explained with many historical examples why there are both writing systems in japan and how it works.
– Vertical writing is used for traditional or classical things (eg. novels, school books, calligraphy, menu boards in sushi restaurant “if you find horizontal menu boards in a sushi restaurant, the restaurant is not run by Japanese”). Vertical writing is also used when the space is limited (sake ravel, spine of a book etc.)
– Horizontal writing is used when Japanese scripts are mixed with the latin alphabet (eg. dictionary and science reports), mathematical texts, public signs, web sites etc.
– Both writing system are used in a information design, news papers, magazines, neon signs etc.

These writing systems are also used in other east asian countries.
– Both writing systems are using in Taiwan and Hong Kong
– The writing systems of China and North Korea are unified and only use the horizontal writing system
– There was a vertical writing system in South Korea until the late 90s. But today almost of all texts are written horizontally

Finally she showed many old funny examples where Japanese people have constructed vertical Japanese text with horizontal latin alphabet, counter clockwise 90 degree rotated vertical japanese text with horizontal latin alphabet, vertical japanese text with counter clockwise 90 degree rotated horizontal latin alphabet (still used this type of writing system) and so on …

Japanese People don’t care about the writing direction, because it’s so normal for them. From birth, everyday and everywhere they are exposed to both writing directions. Althought vertical text could be sort of weird to European people, you can however find vertical signs in western countries. It is maybe not really vertical text, but a horizontal word with one character per line. The horizontal text in Japan started in a similar way this way – only one character per line. Perhaps we will find vertical text as well as horizontal text after 100 years in western countries too, like you can see in Japan today. Who knows?

At last I want to say “Arigato” to Ms. Mugikura for the opportunity to write on an interesting topic and to meet such a friendly person.

More information about her visit Just another Foundry

Further reading in German: typotalks.com and slanted.de

Als Schlussrednerin auf der diesjährigen TYPO erzählt uns die charmante Jessica Hische, wie sie zur Illustratorin, Schriftzeichnerin (engl. Letterer), verrückten Katzenfrau und heimlichen Webdesignerin wurde. 

Es startete alles mit einem Nebenprojekt: Um ihrer Leidenschaft fürs „Lettering“ zu frönen, begann Jessica im September 2009 jeden Tag einen Buchstaben zu zeichnen, mit dem Ziel, irgendwann zwölf vollständige Alphabete fertig zu haben. Daily Drop Cap, so der Name des Projektes und der Webseite, wurde schnell zum Erfolg – und zum Katalysator ihrer Karriere. Von hier an wurde aus Jessica das „Drop Cap Girl“.

Ihre Neigung zum „Procrastiworking“ ließ sie im Anschluss noch zwölf weitere Nebenprojekte ins Leben rufen. Die bekanntesten, neben Daily Drop Cap, sind mom, this is how twitter works und should I work for free?. Das Gemeinschaftsprojekt mit ihrem Verlobten, don’t fear the internet, erklärt die Grundlagen von HTML/CSS. Es soll Kreative wie sie selbst darin bestärken, neue Werkzeuge zu verwenden, um Ideen selbst realisieren zu können. Diese Einstellung inspiriert, motiviert und wird durch Jessicas Aufruf „erschafft Dinge, von denen ihr wünscht, sie würden existieren“ bestärkt.

Neben den zahlreichen Online-Projekten hat Jessica Hische ihr Können auch im Print-Bereich bewiesen. Die Buchtitelserie für Barnes & Noble Classics ist ein Paradebeispiel für Lettering. Darüber hinaus gestaltete sie bereits eine Briefmarke und kürzlich ein Poster für die Band „Florence and the Machine“. Ihr unglaublich umfangreiches Portfolio brachte Jessica zuletzt auch ihren absoluten Traumjob ein: die Titelgrafiken für Wes Andersons neuen Film „Moonrise Kingdom“.

Nachdem sie uns abschließend den Unterschied zwischen Kalligrafie und Lettering erklärt – ein Kalligraf schreibt, ein Letterer zeichnet – verabschiedet sie sich mit dem Aufruf „go forth and be nerdy“. Vielen Dank Jessica, wir werden unser Bestes geben!

Mehr über Jessicas Vortrag gibt es in Pauls Beitrag auf dem offiziellen TYPO Blog zu lesen. Mehr von ihrer quirligen Art gibt es auch bei Twitter.

Seinen Vortrag auf der TYPO Berlin nennt Ressortleiter, Art Director und DJ Stefan Kiefer „Im roten Rahmen“ und erinnert als erstes daran, dass DER SPIEGEL ein wöchentliches Periodikum ist, und was das an Stress bedeutet. Es kommt vor, dass er freitags aus dem Kino geholt wird – wenn er sich überhaupt aus der Redaktion weggewagt hat.

„Was ich heute erzählen möchte, hat sehr viel mit Beständigkeit zu tun“: Der SPIEGEL sei „etwas Beständiges“ in der Medienlandschaft in Deutschland, wenn nicht weltweit; er ist über 60 Jahre alt. Und das, was sich wie ein roter Faden durch den roten Rahmen des Titels zieht, so Kiefer, ist die Idee.

George Bush und die Brezel

Der erste SPIEGEL Titel erscheint 1947, der berühmteste 1962, mit Rudolf Augstein, der wegen der SPIEGEL Affäre kurzzeitig ins Gefängnis wandert. Ein weiterer Titel, der auf ganz andere Weise für Furore sorgte: „DIE BUSH KRIEGER“ mit George Bush als Conan, der Barbar, dazu seine Mitstreiter als weitere Kampfhelden der Popkultur. Das Weiße Haus rief an und fragte, ob man Poster davon haben könne. Die Plakate wurden tatsächlich geliefert – und im weiteren Verlauf von George Bush wohlwollend aufgenommen. Der fühlte sich sehr geschmeichelt und „1A getroffen“. Und das, obwohl auf seiner Brust im Motiv eine Brezel prangte – die Idee kam von Stefan Aust. Kiefer lüftet „das Rätsel mit der Brezel“: Bush hatte sich beim Brezelessen verschluckt und war dabei zudem über sein Hündchen gestolpert. Das ganze Weiße Haus war darob in Sorge, doch bekanntermaßen hat Bush überlebt. Auch das SPIEGEL Titelbild

SPIEGEL Titel überraschen immer wieder, weil sie optische Erwartungen unterlaufen: Einstein mit eben nicht herausgestrecker Zunge oder das unschuldige Schulmädchen mit überdimensionaler Cannabis- statt Schultüte zeugen von diesem Gestaltungsprinzip. Der Text wird kurz, prägnant und oft provozierend dazugestaltet; die kürzeste SPIEGEL Headline aller Zeiten war das „Ich“ zum Titelmotiv Boris Becker.

Zwischendurch flicht Kiefer ein, dass er nach eigener Einschätzung zwar nicht viel Ahnung, doch ein großes Faible für Typografie hat. Er habe Schrift noch mit der Feder zeichnen gelernt, musste das aber irgendwann „völlig transzendieren“ und hinter sich lassen, als er beim SPIEGEL anfing. Er äußert Dank „an den Zwischenrufer“ Jürgen Siebert, bedankt sich ausdrücklich beim FontShop und bei all den Schriftgestaltern, „die hier sitzen“, nennt ausdrücklich Erik Spiekermann: Kiefers Lieblingsschrift, die Info, sei von ihm, sehr gern arbeite er auch mit der Meta und der Officina, auf einigen Titeln sieht man TheSans und TheSerif von Luc(as) de Groot; überhaupt besticht ein sorgfältiger und manchmal dramatischer Umgang mit Typografie auf den SPIEGEL Titeln – den jeweiligen Aufmacherthemen entsprechend.

Feinsinnige Vorbilder – und Leser

Stefan Kiefers großer Dank geht außerdem an Loriot, diesen „feinsinnigen“ Menschen, der „so eine Ideenwelt“ erzeugt hat, „die wir alle verinnerlicht haben“. Der schlichte SPIEGEL Titel zu Loriots Tod lautete „Loriot – Eine Verneigung“ und zeigt ein ernstes Loriot-Männchen mit der berühmten Knollennnase. Dieses Knollenmännchen war schon 1976 einmal auf dem Titel gewesen, die Originalzeichnung dazu natürlich noch vorhaben; nun wurde lediglich die gepunktete Fliege von 1976 in eine schwarze Fliege verwandelt. Die Ehrerbietung „an diesen großartigen Künstler und Humoristen“ löste eine Welle an Leserbriefen aus, wie sie DER SPIEGEL und Stefan Kiefer so „nie vorher und nie nachher“ erlebt haben. Die Briefe sind alle zu finden auf der SPIEGEL Website unter der Zusammenfassung „Voller Witz und Wärme“. Stefan Kiefer hatte zum ersten Mal beim Lesen von Leserbriefen Tränen in den Augen.

Ein weiteres großes Vorbild für Kiefer: Rudolf Augstein, natürlich, der Gründer des Blattes. Von ihm stammt das Motto des Hauses: „Schreiben, was ist“, Titel-Headline zum 60-jährigen SPIEGEL Jubiläum.

Nach neun Jahren nur s/w-Fotos (Ausnahme: die „farbige“ Künstlerin Eartha Kitt) gab es die erste farbige Illustration auf dem Titel. Kernmotiv war der neugewählte sozialistische Bürgermeister von Florenz, der beauftragte Zeichner baute zum nach Fotovorlage nachgezeichneten Gesicht eine Renaissance-Stadtansicht von Florenz in den Hintergrund – alles zusammen in einer einzigen Original-Illustration (nix Photoshop). Dieses Prinzip hat der SPIEGEL für den Titel zweimal kopiert, einmal für Gerhard Schröder (Porträt der Fotografin Gabo) aus Anlass seiner Memoiren. Überhaupt, Gerhard Schröder: 47 Titel insgesamt wurden ihm gewidmet. Ein Favorit von Stefan Kiefer war die Headline „Der halbierte Kanzler“ mit halbem Schröder-Foto, mit zerfurchtem Gesicht, direkt nach der Pressekonferenz, die Schröder nur noch als Kanzler und nicht mehr als Parteivorsitzender verließ.

Für den SPIEGEL Titel wurde sehr oft haptisch gearbeitet. So baute man einmal kniehohe Buchstaben-Skulpturen „CDU“, um sie anschließend zu verbrennen und das zu fotografieren. Leider kam die Headline „Heißes Geld“ dazu, das Bild hätte keinen Text gebraucht, so Kiefer, er wurde dazu „genötigt“.

Den Puls der Welt fühlen

Als Referenz an den Markboro-Claim „Der Geschmack von Freiheit und Abenteuer“ setzte DER SPIEGEL die Headline „Der Frust der Freiheit“ auf den Titel, in der (damaligen) Marlboro-Schrift. Das Thema: die Öffnung der DDR, im Bild zu sehen der Übergang Bornholmer Straße, Berlin, der Drang der Menschen in den Westen, hin zu den West-Produkten, den West-Zigaretten, so die Assoziationskette, die mehr oder weniger subtil durch die Titelgestaltung ausgelöst wird.

Das Thema Zensur betrifft den SPIEGEL immer wieder. Bei dem Titel „Singles – Zwischen Freiheit und Einsamkeit“ mit einem Bildzitat nach René Magritte mussten die abgebildeten nackten Menschen für die Ausgabe Dubai mit schwarzen Querbalken versehen werden. Bei dem Titel „Wozu Sex?” wurden vor Versand nach Dubai die Illustrationen kopulierender Tiere geschwärzt, sogar die klitzekleine Abbildung eines Igels, der – die Idee kam von Stefan Kiefer – eine Bürste beklettert.

Manche Titel gab es in Varianten: Rekord waren die acht verschiedenen möglichen Ansichten eines Würfels. Für den Titel „Gewalt im Klassenzimmer – Wenn Lehrer nicht mehr weiterwissen“ wurde erstmalig ein (stark vergrößertes) Handyfoto verwendet. Exklusiv vorab zeigt uns Kiefer schließlich den SPIEGEL Titel vom kommenden Montag mit der treffenden Headline „Ziemlich beste Feinde“ – Die Koalition der Kälte“. Das Motiv wird noch nicht verraten, dürfte aber keine große Überraschung sein.

Titelbildgestaltung ist für Kiefer „vor allem Ideenfindung“. Die Umsetzung kann Minuten oder Stunden kosten. Für das Thema Optimismus sollte alles rosarot sein. Im Fotostudio wurde ein Zimmer komplett in Rosa nachgebaut, in einer mehrstündigen, ganztägigen Session, mit mehr als 1.000 Fotos – für den SPIEGEL sehr ungewöhnlich. Doch „wir müssen“, so Kiefer, „den Puls der Welt fühlen, wir müssen Angela Merkel den Puls fühlen, und dem Chefredakteur manchmal auch“. Und feinfühlig reagieren, immer bereit zu Ausnahmen von selbstgesetzten oder entstandenen Regeln. Das Ereignis 9/11 und die Folgen führten erstmalig dazu, dass DER SPIEGEL 12 Titel zum gleichen Thema in Folge schaltete.

Aufwand und Wirkung

Kiefer zeigt uns auch Titel, die nicht veröffentlicht wurden: der bekiffte Bundeswehr-Soldat, die Headline „Weggetreten“ für die Befindlichkeit unserer Soldaten, oder der Titel „Väterchen Frost“: Putin mit verschränkten Armen und eisigem Blick auf einer Pipeline stehend, die er offenbar mit seinem Gewicht zusammendrückt und so die Gaszufuhr für Europa sperrt.

Manche Titel wurden zu Kunstwerken, so die Beatles-Zeichnung von Klaus Vormann, ein Freund Kiefers, der das berühmte Beatles-Cover zur LP „Revolver“ zeichnete (und fast Bassist wurde bei den Jungs aus Liverpool, die damals in Hamburg zu Gast waren – bevor Paul von Gitarre zu Bass wechselte). Der Titel entstand aus Anlass des 50. Jahrestages der Beatles und verkaufte sich in einer Auflage von 999 Kunstdrucken innerhalb von drei Tagen.

Als nur ein paar von vielen Klassikern unter den SPIEGEL Titeln zeigt uns Stefan Kiefer den mystifizierten Ché Guevara mit einem Heiligenschein aus rotierenden Patronen, Marx mit Victory-Geste (als Fotovorlage für die Hand diente allen Ernstes das berühmt-berüchtigte Foto des triumphierenden Josef Ackermann), Sigmund Freud mit der Textzeile „Der Sex und das Ich“ und schließlich Friedrich Schiller mit Flammenhaar – Headline „Der Atem der Freiheit“. Der abschließende Drei-Minuten-Film illustriert den Aufwand, mit dem ein solcher SPIEGEL Titel bzw. das Originalbild dazu entsteht: Friedrich Schiller mit flammendem Haar wird in Öl gemalt nach historischem Vorbild. Was für ein Aufwand.

Stefan Kiefer ist davon überzeugt, dass dieser Aufwand sich lohnt. Im Gespräch im Nachgang betont er, dass natürlich nicht alle Leute erkennen oder darauf achten, dass die SPIEGEL Titelbilder Originale sind – dass die SPIEGEL Titel aber genau deswegen so unverwechselbar sind und bei den Betrachtern, bewusst oder unbewusst, wirken. Und dass der Aufwand deshalb keineswegs zu hoch ist – eine Haltung, die zur Beständigkeit (nicht nur) des SPIEGELS beiträgt.

Englischer Beitrag von Paul Woods im TYPO Berlin Blog: „In the Red Frame“.

PS: Am kommenden Freitag und Samstag (25./6.05.2012) ab ca. 19:00 Uhr ist Stefan Kiefer als DJ DisCover in Berlin und legt „GrooveSmoothFunkJazz“ auf, oder auch „THE LEGENDARY SHAVE SOUND“ – im Hof des Alten Postfuhramtes bei C/O Berlin, zur Eröffnung der Fotoausstellungen „Rafla Milach“ und „Larry Clarke“ (sehr zu empfehlen, aber erst ab 18). Eintritt frei, Freunde mitbringen!

Nach Meinung von Ruedi Baur, der in Paris, Zürich und Genf forscht und bei Lars Müller publiziert, steht unsere kapitalistische Gesellschaft im absoluten Widerspruch zum Thema Nachhaltigkeit: Das Prinzip des Ersetzens des Alten durch Neues könne nicht zu Sustainability führen. Baur nennt seinen TYPO-Vortrag „Sustain oder halte durch!“ und sagt, dass es nichts bringt, ein gutes Gewissen im Alltag zu leben, aber trotzdem die „Weltschweinerei“ zu unterstützen. Was in Baurs Sprache soviel meint wie: „Es genügt nicht, die Kühe zu gießen, um die Erde zum drehen zu bringen.“

Nachhaltigkeit und Dauerhaftigkeit

Den Begriff „sustain“ beschreibt er so: „die Fähigkeit eines Musikinstruments den Ton zu halten, ohne die Note zu wiederholen.“ Dabei versucht, so Baur, auch ein typografischer oder gestalterischer Ton eine gewisse Bezauberung zu entwickeln.

Hinter dem Begriff „sustain“ verbergen sich für ihn zwei unterschiedliche Konzepte: Nachhaltigkeit und das französische „Durabilité“. Aber was heißt typografische Dauerhaftigkeit? Für Baur bedeutet es, die richtige Haltung gegenüber der „Benutzung“ zu zeigen: ein Bewusstsein für die richtige Dauer gegenüber der Zeit der Benutzung und dabei eine angemessene Haltung dem Objekt entsprechend. Einfacher gesagt: Er beklagt die Kurzlebigkeit vieler Projekte und eine Gestaltung, die im Widerspruch dazu steht. „Nachhaltigkeit bedeutet nicht zu bremsen, sondern im richtigen Moment das richtige zu machen.“ Informationsdesign sieht er dabei als eine der wichtigsten Disziplinen für Designer, um – durch Gestaltung unserer Umwelt und Gesellschaft – Nachhaltigkeit in den Vordergrund zu bringen.

Energiezukunft in Vorarlberg

In einem Projekt in Vorarlberg über dessen Energiezukunft wurden die Tagesabläufe von Bürgern analysiert und dafür Punkte vergeben. Ein guter Tag hat abhängig vom jeweiligen Lebensstil 100 Punkte, ein Durchschnittstag dagegen 210 bis 320 Punkte. „Es gibt Tage, die einem gelingen. An anderen scheitert man.“

Das Resultat, dass die erzielten Punkte in Vorarlberg nicht zufriedenstellend waren, liegt für Baur jedoch nicht an den Handlungen des Einzelnen, sondern daran, dass die Rahmenbedingungen nicht stimmten: Effektive Baustellen werden vom Bürger nicht gesehen, da er nicht darauf hingewiesen wird bzw. sie nicht sichtbar gemacht würden – und demnach der Bürger seine  Handlungsweise nicht darauf abstimmen kann.

Wir wissen, dass wir einfacher leben müssten, aber der Konsum bewirkt das Gegenteil. „Reicht es uns, wenn es für uns reicht? Wir wissen, dass es so, wie wir es wünschen, nicht weiter gehen kann. Aber was wünschen wir eigentlich?“ Baur fragt, ob wir definieren können, was für eine Gesellschaft wir uns überhaupt wünschen. Dabei stellt er fest, dass wir eine neue Gesellschaft aufbauen können: Menschlichkeit, Solidarität, Freude und Kreativität sei das, was wir dafür brauchen. Dabei geht es nicht darum, perfekt zu sein – Individualität und Handwerklichkeit sind wichtig.

Ruedi Bauer beendet seinen Vortrag mit den Worten (und mit weiteren Widerspruch): „Ich bin für eine baro(c)ke Reduktion!“

Die libanesische Schrift-Designerin Nadine Chahine studierte Schrift-Design an der Universität Reading (UK). Heute arbeitet sie in Deutschland bei Linotype als Expertin für arabische Schriftprojekte. In ihrem Vortrag „Dialog mit dem Nahen Osten“ erklärte sie, worauf es ihr beim Gestalten arabischer Schrift ankommt.

Chahine erklärt, dass ein Schriftsystem seine Umwelt repräsentiert und somit für seine Kultur und Politik spricht. In ihrem Vortrag das Thema der arabischen Schrift einfach von der grafischen Seite – oder die arabischen Fonts von der technischen Seite her zu erklären – wäre natürlich auch beeindruckend gewesen, hätte aber ein oberflächliches Niveau kaum überschreiten können. Um die Vielseitigkeit der Schrift und ihrer Anwendungen überhaupt verstehen zu können, benötige man kulturelles und politisches Hintergrundwissen, gibt sie zu verstehen. Um das TYPO-Publikum also mit arabischer Schrift vertraut zu machen, holt sie bewusst weit aus und zeigt sich als typografische Botschafterin der arabischen Welt.

Man müsse die Komplexität des ganzen verstehen. Selbst ganz begeistert erzählt Chahine, wie spannend es sei, in die Vielschichtigkeit der arabischen Kulturen einzutauchen. Verschiedene Beispiele zeigen dem Publikum, wie wenig wahr ist an Klischees über Wüsten und Kamele. Dass für diese falsche Wahrnehmung in anderen Teilen der Welt die Medien stark verantwortlich sind, hat sie selbst schon erfahren müssen. Ihre Bilder und Beispiele sollen das Bild also korrigieren. Und so gibt sie uns (inter-)kulturelle Einsichten in den Jemen, Amman, Beirut, Dubai und andere Länder im Nahen Osten, die für uns vielleicht leicht verwechselbar sind, doch untereinander große Unterschiede aufweisen.

Während Chahine bemerkt selbst, wie sehr sie in dem Thema aufging, und vertröstet sie das Publikum mit dem Hinweis, in ihrem Vortrag ginge es ganz gewiss um Schrift – man würde auch gleich noch welche zu sehen bekommen. Derweil geht sie nicht nur auf die visuellen Unterschiede ein, sondern auch auf wirtschaftliche und politische.

Nach dieser Einleitung, die sicher keine kurze ist, dem Thema aber gerecht wird, zeigt Chahine, auf welche verschiedenen Weisen man diese Komplexität grafisch umsetzen kann. Dass es nicht die eine Lösung für alle Anwendungen gibt, macht sie sehr deutlich anhand der von ihr gestalteten Schriftarten. Es gibt zwei Formen der arabischen Schrift: Kufi und Nasch, wobei Kufi die weniger komplexe ist. Chahine gestaltet Hybriden, die sich gestalterisch je nach Anwendungsfeld unterscheiden und  sich immer in der Mitte der beiden Formsysteme bewegen. Die Arbeit ihres Ph.D. stellt die komplexeste Form der arabischen Schrift dar, die man aber wegen ihrer kalligrafischen Züge nicht für alles einsetzen kann. Beim Design der arabischen Variante einer lateinischen Schrift mit geometrischen Formen greift man eher auf die Kufi zurück. Eindrucksvoll zeigt Nadine Chahine, worauf es ankommt, damit arabische Schrift optisch und inhaltlich zur lateinischen passt. Ergebnisse ihres Zusammenarbeitens mit Adrian Frutiger und Hermann Zapf verdeutlichen das.

Als Chahine beauftragt wurde, für eine arabische Zeitung eine Schrift zu gestalten, schaute sie zuerst auf die Leser und gestaltete danach eine entsprechende Schriftform als „Stimme der Zeitung“. Inspirieren sollte sie der libanesische Spruch „Der Berg, der nicht vom Wind erschüttern soll“, da die Zeitung standhalten sollte, was auch immer passieren würde. Sie gestaltete, basierend auf der einfachsten Form, eine stabile, kompakte Schrift mit offenen Punzen.

Nadine Chahine fasst zusammen, dass es beim Gestalten einer arabischen Schrift niemals nur eine Lösung gibt und dass man daher in Dialog treten muss um zu einem passenden Ergebnis zu kommen. Im Dialog sollten auch die Schriftarten stehen, wenn man beide Schriftsysteme typografisch kombiniert. Eine arabische Schrift mit Serien oder hoher x-Höhe oder eine lateinische mit verbundenen Buchstaben mache da keinen Sinn.

Fazit: immer im Dialog bleiben! Chahine gab spannende interkulturelle Einblicke in eine fremde Welt – mit ähnlichen gestalterischen Fragen, wie wir sie uns täglich stellen.

„Nachhaltigkeit – ich mag das Wort nicht mehr hören“ ... so startet Lars Müller seinen Vortrag „Das Buch – Nachhaltig „avant la lettre“ auf der Typo Berlin 2012. Sie sei die Komplizin des schlechten Gewissens. Für ihn erscheint dieser heute inflationär benutzter Begriff scheinheilig im Angesicht des Raubbaus an der Natur und des uneingeschränkten Kapitalismus’. Nachhaltig zu leben liegt in der Eigenverantwortung der Menschen – und niemand dankt es einem, wenn man versucht weniger Fleisch zu essen oder Auto zu fahren.

Nachhaltigkeit und Gestaltung?

Der in den 60ern geborene Schweizer hat dazu eine kritische Haltung: „Unsere Disziplin gibt keine Leitung mehr zur Welterklärung und Lebensführung." Gestaltung sei ein Mittel zur Selbstdarstellung der Medienindustrie geworden. Nachhaltigkeit in der Gestaltung ist Luxus, da es sich kaum ein Gestalter leisten kann, darüber nachzudenken, was und wie er produziert, geschweige denn den Sinn zu hinterfragen oder gar den Auftraggeber. Dennoch sollten Gestalter sich einmischen und auch politisch engagieren.

Lars Müller wurde 1983 aus seiner bibliophilen Leidenschaft heraus als Verleger tätig und musste anfangs seinen Verlag mit Hilfe seines Büros für visuelle Kommunikation und Design am Leben erhalten. Dabei entstanden Erscheinungsbilder, Orientierungssysteme und Kommunikationskonzepte für sympathische Auftraggeber. „Die Anfänge waren naiv, aber ehrlich“ – Biobauern, Umweltbewegung, Kulturradio, Weinhändler etc. – und spiegelten seine politische Haltung wieder.

„Stellen Sie Ihren iPod leiser. Schalten Sie den Rechner ab. Denken Sie. Welche Bedürfnisse haben die Menschen und welchen Beitrag können Sie leisten? Lernen Sie die Menschen zu verstehen. Beobachten Sie Ihr Umfeld. Beobachten Sie sich selbst. Beißen Sie sich an einem Thema fest. Verschaffen Sie sich Kompetenzen und holen Sie Partner heran, die dasselbe Engagement teilen.“

Nachhaltigkeit und Bücher?

Dazu hat Lars Müller eine klare Position: „Das Buch halte ich in jeder Hinsicht für nachhaltig.“ Heute gebe man sich viel Mühe: klimaneutrale Produktionsprozesse, chemische Stoffe durch nachhaltige ersetzen. Doch ist das Buch nachhaltiger als digitale Medien. Heute verbrauchen iPad, iPhone, Computer und das Internet acht Prozent der weltweiten Energie. Das Buch hat, wenn es produziert ist, keinen weiteren Verbrauch an Energie und Ressourcen. Den digitalen Medien lässt Lars Müller jedoch auch ihre Gültigkeit. Denn im Vergleich zum Buch sei die „Verfügbarkeit von Inhalten im Internet unbegrenzt“. 

„Doch die Konsistenz des Inhaltes eines Buches können Sie im Internet nicht finden.“ Gut editierte Bücher haben lange Gültigkeit und sind da, sind Zeitzeugnis und Dokument. Die Schnelllebigkeit der digitalen Medien erlaubt es nicht, eine tiefer gehende Recherche zu betreiben und Quellen zu prüfen. Zudem kommt die Materialität: Das Haptische, der Geruch, die Farbe, der Druck, das Papier, der Schnitt strahlen eine hohe Präsenz aus. Das Buch möchte man besitzen und behalten.

Bücher aus dem Lars Müller Publishers Verlag

Neben Büchern über Architektur und Design, die einige Designpreise sowie den Titel „Die schönsten Bücher“ der Schweiz, Deutschlands und international gewonnen haben, bewegt Lars Müller sich einen Schritt weg von der Welt des Schönen. Gesellschaftliche Themen gehören zum Programm des Verlages: „Ich mache einen Schritt hinaus aus der Welt des Schönen.“

Das Bild der Menschenrechte

Das rund 700 Seiten starke Buch veranschaulicht den abstrakten Inhalt mit einer umfassenden Bildersammlung und eingewobenen Texten. Die Themen bauen aufeinander auf und bilden damit eine Parallele zu den Menschenrechten, die einander bedingen. Dabei werden neben hoch emotionalen, erschütternden Bildern von Opfern der Nichteinhaltung der Menschenrechte, im Kontrast dazu auch Situationen aus unserem Alltag, die diesen Menschen verwehrt bleibt, gezeigt. Und das nicht wie auf übliche Weise reißerisch und brutal, sondern einfühlsam. Dieses Buch leistet einen nachhaltigen Beitrag, schafft Bewusstsein für das Thema, Aufklärung und Solidarität.

„Man muss es verstehen, um es gestalten zu können.”

Ausgehend vom „Bild der Menschenrechte“ entstanden nachfolgende Bücher wie „Wem gehört das Wasser“. Die Anthologie beleuchtet die Eigenschaften des Wassers – ästhetisch, phänomenologisch, biologisch, physikalisch, politisch, ethisch. „Das Wasser verfügt über fantastische Eigenschaften. Die Wissenschaftler können es sich immer noch nicht vollständig erklären“, erzählt Lars Müller. Erschienen ist dieses Buch 2006. Seit 2010 wurde der Zugang zu Wasser als eines der Menschenrechte deklariert.

Für Lars Müller ist es die Aufgabe des Gestalters, komplexe Dinge visuell verständlich zu machen. Mit seinem Verlag leistet Müller einen ganz persönlichen Beitrag zu Nachhaltigkeit und gibt ein eindrucksvolles Statement über unsere Verantwortung als (Buch-)Gestalter ab: Nachhaltig sind Bücher, die wirken. Nachhaltigkeit hat mit Gestaltung und Inhalt zu tun.

Kommende Buchprojekte des Verlages sind den Themen Demokratie, Abfall und Zeit gewidmet. Man darf also – vor allem als jemand, der selbst mit Design zu tun hat – noch viel erwarten von Lars Müller Publishers. 

Kann gutes Design uns aus der ökologischen, finanziellen, emotionalen und sonstigen Krise führen? Petz Scholtus, geboren 1980 in Luxemburg, lebt und arbeitet heute in Barcelona, begreift sich als Öko-Designerin und verweist einleitend auf die 10 Prinzipien von Dieter Rams aus den 70ern, um kurz darauf an die Knappheit unserer Ressourcen zu erinnern und festzustellen: „good design is complicated“. Was für ein Ritt. Sie spricht schnell und hat die TYPO Hall schnell auf ihrer Seite.

Petz Scholtus realisiert mit ihrem Studio Poko Design unter anderem  das „R3project“, die  umweltfreundliche Renovierung des „Barrio Gótico“, ein Viertel in Abarcelona, das zum alten Stadtkern gehört. Mit ihrem begleitenden Blog über das Projekt motiviert Scholtus zu einem umweltverträglichen Lebensstil. Scholtus hat „o2Spain“ mitbegründet, den spanischen Zweig des „o2“ Öko-Design-Netzwerks, und die „Pecha Kucha Nights“ nach Barcelona gebracht. Zudem ist sie die treibende Kraft hinter „Barcelona Green Map“, dem grünen Stadtplan für Barcelona, was sie zur Stadt-Expertin macht und mit anderen Kreativen vor Ort verknüpft.

Scholtus zeigt uns bei ihrem Vortrag in rasanter Abfolge wunderschöne Möbel aus Recycling-Materialien und Beispiele dafür, dass nicht unbedingt „grüner“ ist, was grüner erscheint. So ist der Hummer H2 nach umfassender Analyse insgesamt weit weniger umweltschädlich als ein Toyota Prius. Ökobilanzen, solide durchgeführt unter Einbeziehung des gesamten Produktzyklus’, lügen nicht. Solche Produktzyklen schaut sich Scholtus genau an und bezieht dabei (sehr selbstverständlich) den interessanten Gedanken mit ein, dass Produkte auch emotional überdauern müssen: Sie müssen in Mode bleiben, damit wir sie gern behalten und lange benutzen.

Sehr nachhaltig, wenn auch gelinde fragwürdig ist die Idee, T-Shirts herzustellen, die man gar nicht waschen muss, oder Jeans, die man statt in die Waschmaschine in die Tiefkühltruhe steckt: Das tötet zwar Bakterien, nicht aber Kaffeeflecken, stellt Scholtus treffen fest. Nützlicher erscheinen ökologische Fußabdrücke als Teil der Produktinformation zum Beispiel bei Kartoffeln, um Kaufentscheidungen im Supermarkt spontan danach ausrichten zu können.

Petz Scholtus zeigt uns im Schnelldurchlauf unzählige wunderschöne, originelle Beispiele für nachhaltiges, interaktiv wirkendes Grafik- und/oder Produkt-Design. In Erinnerung bleibt zum Beispiel die Tischdecke, die mit jedem Rotweinfleck schöner wird: weil sie sich damit selber einfärbt. Oder Teller, die die Radioaktivität messen, die man mit jeder Mahlzeit zu sich nimmt. Undsoweiter, undsofort ...

„Wow, full of content“, stellt die Moderatorin nach Petz Scholtus’ Vortrag fest. Allerdings!

www.pokodesign.com

Ein besonders schönes Beispiel für Öko-Design: das Gurtbett – The Only Tools You Need To Build This Bed Are Ratchet Straps. Weitere Öko-Möbel hier (Grofurniture) und hier (Roca). Und Papier aus mineralischem Puder, als nur ein Beispiel innovativer, ökologisch sinnvoller Materialien: Terraskin. Für alle, die noch tiefer einsteigen wollen, empfehlen sich diese 55 Öko-Designer sowie weitere spannende Produkt- und sonstige Aktivisten, ansässig in diversen europäischen Ländern: das Magazin Treehugger, Platform21, EcoAlf, Diffus, Ducotedechezvous.

Hier geht es zum englischen Beitrag im TYPO Blog und zum TYPO Berlin Interview mit Petz Scholtus.

Nat Hunter eröffnet ihren Vortrag „Wie ist das passiert?“ („How did this happen?“) mit der Selbstbeschreibung „I am a user experience designer“. Huch. Das machen die in England auch? Und nennen es genauso wie wir? Dann erzählt sie fröhlich, dass sie ihre Agentur „Airside“ vor kurzem geschlossen hat – und zeigt zwei Fotos ihrer beiden Partner und sich, damals und heute: 1998–2012. Auf beiden Aufnahmen sehen wir drei fröhliche Menschen, die gleichen Menschen, kaum verändert, aus der Vogelperspektive. Der einzige Unterschied nach 14 Jahren sei der, „dass wir gelernt haben, nicht mehr so schreckliche Sandalen zu tragen“. Und trotzdem sei heute alles anders als damals.

Zuerst war Nat Hunter Grafik-Designerin, CD-Hüllen-Gestalterin, dann „Interaction Designer“. Davon war sie begeistert, es war ganz ihr Ding: „to provoke – and get a reaction. I was in heaven“. Die Gestaltung von Websites als neues Aufgabenfeld ergab sich fast automatisch, und Hunter erkannte schnell, dass es hier und heute um „organizational change“ geht – und nicht nur um Design. „Form and function“ interessieren sie, und damit mehr das Lösen von Problemen als „the style end“. Speziell bei digitalen Projekten sieht sie iterative Prozesse notwendiger- und erfreulicherweise als Teil der Entstehung von guter Gestaltung.

Von hier aus geht sie weiter zu der Frage, ob und wie Nachhaltigkeit und Gestaltung zusammenhängen. Sehr sachlich stellt Hunter fest, dass die meisten Designer ihre Aufgabe nicht im Bereich von „behavioural change“ sehen. Warum und wie Bewusstsein verändern? Kaum jemanden interessiert das tatsächlich. Dabei können Erfahrungen Verhalten ändern. Manchmal genügt ein einziges Schlüsselerlebnis, wie drei allein verbrachter Tage in beeindruckender Landschaft, um den Antrieb in Gang zu setzen, dass jemand Nationalparks und Naturschutzgebiete gründet.

Ebenso kann jemand, können Gestalter getrieben sein, zum Beispiel den nachhaltigsten Jahresbericht ever zu gestalten und zu publizieren.

Diese Feststellung wirft (Überlegung der Autorin) ein interessantes neues Licht auf den Begriff „(user) experience designer“. Den „user“ darin wegzulassen, erweitert die Idee: Wir gestalten Erfahrungen. Ob Erfahrungen von „Nutzern“, „Verbrauchern“, „Endkunden“ – ein Wort schlimmer als das andere – ist dabei egal. Wir gestalten Erfahrungen von Menschen, anderer Menschen, aufgrund, logischerweise, unserer eigenen Erfahrungen. Hier wird es sehr grundsätzlich. Und sehr aufregend. 

Hunter erzählt von dem Auftrag „a Facebook for farmers“: einem Projekt, damit Landwirte in aller Welt Wissen austauschen und sich informieren können. Das Problem war natürlich die mangelhafte technische Ausstattung in den Weiten Afrikas. Oder, positiv gewendet: das einfachste Nokia-Handy war kleinster gemeinsamer technischer Nenner, also Ausgangsbasis. Und ebenso die Tatsache, dass und wie viele Menschen schlicht keine Verbindung zur Außenwelt, ja nicht mal zum nächsten Dorf haben. „Extremely isolated people“ sollten verbunden werden, dabei ging es bei dem Projekt. Was für eine schöne Aufgabe. Nicht anders zu lösen, als dass sich Gestalter in die Lebenswelten der (später) Beteiligten hineinversetzen.

Das wundervolle Ergebnis „WeFarm“ überwindet die Grenzen nicht nur von Dorf zu Dorf, sondern von Sprachen, Ländern und Kontinenten. Kaffee- und Kakaobauern in Südamerika und Afrika können sich austauschen und gegenseitig helfen. Durch neutral gehaltene Nutzernamen gelingt „creating trust between strangers“ – WeFarm respektiert Privatsphären, akzeptiert alle Beteiligten als gleichberechtigt, unabhängig von ihrem Wohnort, ihrer Hautfarbe, ihrem Geschlecht oder Alter, ihrer religiösen oder staatlichen Zugehörigkeit. 

Hunter fasst (mit weiteren tollen Projektbeispielen) zusammen: Nach Jahren des „traditionellen“ Designs stellen wir heute fest, dass wir via Design (im Wortsinn von  Gestaltung) wirklich die Welt – und unsere Erfahrungen, die Erfahrung anderer Menschen (Einschübe der Autorin) – verändern können.

Airside

www.wefarm.info